El director de orquesta, invitado por el Teatro Colón, se sienta a hablar con BlueberryMusica sobre su carrera, lo especial del barroco y su participación en “Theodora” la nueva producción del Teatro Colón

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Johannes Pramsohler es un destacado violinista y director de orquesta especializado en música barroca. Su dedicación a este estilo musical trasciende su pasión por la música en sí, logrando ser un conocedor sobre el contexto histórico y línea temporal en donde las obras se fueron creando. Las influencias, el contexto socio político, el porqué de esa pieza puntual, forman parte de este estudio tan puntilloso de cada obra que conforma este estilo y periodo musical y lo que terminó por consagrarlo como uno de los mayores especialistas en barroco. Hoy se encuentra a cargo de la batuta en nuestro Teatro Colón, en la primera producción de “Theodora” de Handel. 

BlueberryMusica se detuvo a hablar sobre esta puesta, como ya habrán visto en nuestro otro artículo, pero también sobre su propia trayectoria. ¿Por qué esta música puntualmente? ¿Cómo logra descubrir más y más piezas de esta época? ¿Acaso esta puesta de “Theodora” afecta la forma en que él entiende la música de Handel? Todas estas preguntas surgen en esta conversación que tuvimos con el consagrado músico, días previos al estreno de esta producción del Teatro Colón. 

¿Cuáles son sus sensaciones para preparar este debut en Buenos Aires?

En primer lugar, fui invitado muy tarde, así que la producción ya estaba en marcha cuando llegué. Estaba planeando hacer algo completamente diferente en París en este momento, pero de repente decidí aceptar esta invitación de venir a Buenos Aires para hacer esta pieza, que toqué antes como violinista, pero nunca como director. Estaba realmente emocionado de venir aquí porque conocía Buenos Aires antes. Es mi tercera vez aquí.

Si. Creo que la última vez que viniste a un gran teatro de mi barrio, el Teatro 25 de Mayo

Sí, esa vez. Y estaba conectado al Colón, pero se realizó allí. Estoy muy feliz de estar aquí y trabajar en el Teatro Colón. Tuve que prepararme muy rápidamente; normalmente tengo mucho más tiempo para prepararme para una producción como esta, así que todo tuvo que salir muy rápido… Al principio participé en los ensayos de ZOOM de París. Luego tuve que hacer una semana de cuarentena y fue bastante difícil estar en el mismo pueblo como a solo 300 metros del teatro y no poder participar en los ensayos presenciales. Sin embargo, toda esta organización y tiempo recluido me dio más tiempo para prepararme mejor y concentrarme realmente durante una semana para preparar todas las partes para la orquesta.

Y bueno, esta es otra pregunta obvia: ¿Cómo está lidiando con los protocolos?

Para ser sincero, estoy acostumbrado a él ahora, pero no me preocupo mucho cuando estoy trabajando, así que no pienso realmente en eso. La gente necesitaba recordarme todo el tiempo acerca de ciertas cosas del protocolo, por ejemplo, que tenemos momentos muy específicos en los que se nos permite ensayar.

Esta producción en particular tiene como una “reinvención” del texto, sin modificar la esencia de este oratorio. La producción encontró una profunda conexión con la obra de la teóloga argentina Marcella Althaus-Reid, quien tenía un punto de vista revolucionario sobre la religión, relacionándola, por ejemplo, con el feminismo o el movimiento Queer. ¿Te influyen estas ideas revolucionarias que se tienen en cuenta para la puesta en escena en la forma en que estás conduciendo esta producción?

Tengo que decir que, en realidad, no. En sí, no entiendo cómo un concepto moderno, que tenemos hoy en día, podría influir en cómo interpreto la música en sí. Aún así, creo que el concepto que Alejandro tiene para esta producción es genial y me encanta. Pero eso es algo diferente a la música. Y creo que el trabajo con Alejandro es genial justamente por eso,  ya que se inspira principalmente en la música y creo que así debería ser. La música es lo que tenemos; tocamos «Theodora» de Handel y luego se hace la puesta en escena en base a ello y no al revés. De lo contrario, tampoco podría estar aquí, ya que trabajo en un estilo de música particular y ellos saben que esta es la única música que hago. Lo cual no significa que yo sepa cómo lo hicieron en ese momento, pero sí tengo una idea muy precisa de cómo lo hicieron, las tendencias de la época e influencias respecto del contexto histórico. Así que siempre trato que suene la música como, entiendo yo, la creó el compositor y luego, en base a ello, podemos lograr las asociaciones contemporáneas que se plantea en esta puesta.

“La música es lo que tenemos; tocamos «Theodora» de Händel​ y luego se hace la puesta en escena en base a ello y no al revés.”

Johannes Pramsohler

Es curioso que menciones esta concentración en un momento específico de la música, ya que quería preguntarte: ¿Cómo sucedió en tu vida esta devoción hacia este momento y estilo de música en particular?

Realmente no lo sé. Aparentemente era algo que siempre estuvo ahí, como si yo siempre hubiera tenido una afinidad con ese tipo de música. Y tal vez esto se relacione con el hecho de que también me gusta el período histórico en el que se compuso esta música. De alguna manera, puedo relacionarme con las ideas que están detrás de eso. Fue una época extremadamente emocionante cuando la gente empezó a usar su cerebro y a cuestionar lo que hacía la iglesia; empezaron a creer en la ciencia. Así que es como la humanidad fue yendo hacia la Edad de la Ilustración y esto es lo que realmente me interesa, como todas las ideas filosóficas que estaban en ese momento en Francia o cómo en Alemania, por ejemplo, ejercieron su influencia en la música los protestantes en vez del catolicismo y ese tipo de tensión entre esos dos, luego las ideas que vinieron de Inglaterra con Isaac Newton; todo este período me interesa mucho porque los músicos y los compositores eran artistas pero también estaban haciendo su trabajo, sin ser tan individualistas. Desde esa perspectiva de estar trabajando, crearon un arte asombroso.

Con esta música lo que me gusta es la gran construcción que la rodea; es muy racional. Comparalo con una iglesia barroca: es como si estuviera científicamente construida y planeada, pero el resultado es completamente exuberante y loco. Y además, volviendo al sonido, el efecto sobre el oyente es muy inmediato.

Finalmente, siempre me gustó cómo los especialistas del barroco hacen música juntos. Si tocas con una orquesta barroca, es una forma muy diferente en la que cada músico se preocupa al 200% por la música, algo que no veo tanto en las orquestas modernas.

¿Se relaciona esta idea con el hecho de que tú comanda tu propio conjunto? (Ensemble Diderot)

Sí, porque encontré de alguna forma una manera de pensar acerca de la música y tener en mente cómo debería sonar esta música; y si quería lograrlo de alguna manera, necesitaba hacerlo con mi propio grupo.

En este viaje constante al mundo barroco, has encontrado piezas musicales únicas que eran algo “desconocidas”. Sé que no te gusta usar la palabra «descubrir» pero: ¿Cómo te encuentras con estas obras olvidadas?

Lo que no me gusta de la palabra «descubrimiento» es que lo sabemos todo. Por supuesto, hay piezas en algunas bibliotecas que aún no sabíamos, pero siempre parece que soy yo quien va a la biblioteca y va al estante inferior y encuentra una música en el polvo. Pero no es así.

Lo que sí encuentro asombroso es que no mucha gente tiene la curiosidad de simplemente ir a buscarla, porque cuando abres una librería o un catálogo o incluso navegas por internet, encuentras piezas. La necesidad para mí de hacer esto proviene de intentar comprender los trabajos que ya conocemos. Quiero entender: ¿Por qué los compuso? ¿Qué hay detrás de la idea? ¿Tenía modelos? ¿Otros compositores estaban haciendo cosas similares en ese momento? ¿O fue él el primero? Por ejemplo: ¿Cómo llegó cierta forma de sonata o concierto de Italia a Francia? ¿Cómo lo afrontaron los franceses? ¿Seguía vivo en ese momento el Rey? ¿Dónde estaban los compositores que escribían conciertos y los que no?

«Quiero entender: ¿Por qué los compuso? ¿Qué hay detrás de la idea? ¿Tenía modelos? ¿Otros compositores estaban haciendo cosas similares en ese momento? ¿O fue él el primero?«

Así que no solo analizas la pieza en sí, sino también el contexto histórico que la rodea. Eso es realmente interesante y genera un debate sobre la búsqueda y redescubrimiento de obras musicales ya realizadas o el avance y la creación de nueva música. Creo que eliges el lado de profundizar en el repertorio completo creado por el compositor en lugar de crear música en un estilo similar…

Estoy especializado en esta música, así que no haría música contemporánea. Ese es el trabajo de otras personas. Pero lo que sí creo es que hay como una especie de canon de las mismas piezas que se reproducen una y otra vez y que ello podría representar, en algún momento, el final de la música clásica. Por otro lado, siempre habrá personas que no hayan escuchado las Sinfonías de Beethoven, por ejemplo, por lo que debemos seguir tocándolas.  A diferencia de un museo, donde simplemente puedes colgar una obra y verla, la música debe reproducirse todo el tiempo. La música no existe en una partitura, hay que tocarla. Creo que mi misión de alguna manera es profundizar un poco más para encontrar nuevas conexiones y tal vez descubrir cosas nuevas sobre piezas que ya sabemos que enriquecerán lo que ya tenemos.

Trabajas mucho con piezas instrumentales barrocas, pero he visto que en realidad estás trabajando mucho en el mundo de la ópera o con cantantes. ¿Por qué está ocurriendo este cambio en su carrera?

Siempre he trabajado con cantantes. Es cierto que últimamente hago muchas cosas con cantantes. Me gusta trabajar con cantantes y hay ciertas piezas que quiero tocar. Por ejemplo, hay un repertorio de cantatas alemanas antes de Bach con un solo de violín extremadamente virtuoso y, por lo tanto, si quieres tocar, necesitas un cantante (esto lo hice con el cantante argentino Nahuel di Pierro).

Todos los proyectos que estamos haciendo como grupo proceden de nosotros. Vienen de los instrumentistas y no somos en sí un grupo que acompañe a los cantantes. Esto es muy importante para mí porque hay muchos grupos o conjuntos barrocos que el cantante los dirige y son solo una compañía instrumental para cantar algunas arias. No estamos haciendo eso, así que definitivamente hacemos los programas e invitamos a los cantantes.

Y cuando tienes que trabajar con cantantes que no están tan especializados ni tan orientados al repertorio barroco, ¿cómo consigues ayudarles a entender un poco más la pieza en particular? Como, por ejemplo, con la producción actual de Theodora.

Debo decir que nunca he tenido este problema con los cantantes. Aquí, por ejemplo, me gusta nuestro lanzamiento en Colón para la producción y, por supuesto, hay algunas cosas estilísticas a veces con las que tengo que ayudar. Siempre comienzo desde el texto, porque eso es lo que, en este caso, Handel nos ha «pasado» y necesitamos expresar eso. Creo que entonces se vuelve muy claro: cuando sabes lo que estás diciendo, todo el resto cae en su lugar. Hay un aria, por ejemplo, donde uno de los personajes está tratando de salvar al otro y protegerla del mundo loco y hostil y todo lo que necesita es una «sonrisa»; así que trabajamos mucho en cómo cantar «una sonrisa». Esto no lo puedes cantar con un vibrato enorme y con un sonido fortísimo, como si cantaras Wagner, y para mí esto es evidente por el texto y las circunstancias musicales.

Cambiando un poco de tema, pero no tanto: ¿Te sientes cómodo como director o prefieres estar en lugar de concertino?

Tal vez no sea lo que más me guste ser concertino o director de orquesta con un director. Siempre tuve algunos problemas en este papel entre el director y la negociación de como ir compartiendo esta dirección. Siempre prefiero guiarme a mí mismo y al violín. Con mi conjunto, por ejemplo, lo hago así. Tal vez sea porque soy un violinista y siento que soy mucho más claro y libre si lo hago desde el instrumento. Amén de que puedo hablar con músicos del mismo nivel. Entonces, cuando estoy conduciendo de la manera más tradicional, estando un poco más arriba y tengo que decirles con palabras, no puedo expresarlo tan bien como si lo hiciese con el violín.

El Teatro Colón tiene la reputación de poseer uno de los mejores teatros acústicos del mundo. Siendo esta producción tu debut en nuestro Teatro: ¿Te intimida esta reputación o no subestimas tu capacidad?

Para nada. No me intimida. Nunca me han asustado estas cosas. Me gusta trabajar y estoy ahí para trabajar. De ese mismo trabajo me genero confianza y si no tengo confianza trabajo más para generarla. Es por eso que no me siento intimidado de ninguna manera, pero tampoco estoy disfrutando de la misma forma que alguien que está aquí en un concierto solo disfrutando. Estoy consciente de que estoy allí para trabajar y trabajo para obtener resultados. A veces sucede que estoy tan concentrado que después de un concierto ni siquiera sé qué pasó.

Me gustaría preguntarle cómo extenderías la invitación al público para que ayude a esta producción. Y cuando me refiero al público, me refiero a la gente en general, ya que esta producción es parte de la reciente reapertura del Teatro y, siendo este caso, podría significar que más personas estén ansiosas por experimentar el teatro en vivo.

 Creo que esta producción es perfecta porque te da todo al mismo tiempo. Es un oratorio, pero lo hacemos cómo una producción de ópera, con gran canto y con la música más increíble que puedas imaginar”. Aquí nos detenemos a citar la frase en ingles “as good as Handel gets” que logra resumir la efusividad de este especializado director de orquesta y músico en este estilo musical ha comentado respeto a “Theodora”. La forma en que Alejandro Tantanian trabaja sobre el concepto es sumamente interesante, con todo ese toque LGBT en él. Tenemos el vestuario que es de género fluido, realmente relacionado con nuestro tiempo hoy, pero de una manera muy sutil y no dando a lugar una producción estridente. Muy por el contrario, es una producción realmente profunda que se puede ver de muchas formas. Puedes verlo como un alegato al cristianismo para ser tolerante y pensar en el cristianismo como la mejor religión porque siempre ganará ya que no se preocupan si mueren porque siguen en vigencia sus ideales o puedes verlo desde el lado romano, hablando de los cristianos como una secta y también tienes los textos de Marcella Althaus -Reid que dice que tenemos que construir nuestro propio Dios. Con todo esto, tenemos una ópera sumamente pensada y provocadora, con varias capas que se pueden descubrir como críticas o ideas nuevas o como algo sumamente interesante; y luego tenemos teatro, con la participación de Mercedes Morán. Así que creo que no necesitas amar a Opera y seguro que descubrirás algo completamente nuevo.

Johannes Pramsohler es el director invitado de esta nueva producción del Teatro Colón de Buenos Aires. Las entradas para «Theodora» en sus funciones del 1 y 3 de Octubre se encuentran disponibles en tuentrada.com y en la boletería del teatro.

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